Lorsque nous avons cherché à trouver les maîtres modernes du paysage noir et blanc, nous avons été étonnés de la qualité et de la variété des paysages monochromes réalisés aujourd'hui. Trois artistes nous expliquent pourquoi les outils numériques ont à la fois transformé le noir et blanc et l'ont fait prospérer. L'un a commencé comme ingénieur en conception audio, un autre comme photojournaliste et un autre comme tireur commercial. Tous ont été attirés par la création de paysages en noir et blanc, et bien que l'on puisse dire que tous les trois travaillent dans un style "classique", chacun a un caractère distinct à leurs images. David Fokos pourrait être considéré comme un traditionaliste des traditionalistes, en particulier compte tenu de son équipement photo :un appareil photo vintage Korona 8 × 10, plus un - et un seul - objectif, un Rodenstock Apo-Sironar-S de 210 mm f / 5,6. (Sur 8 × 10, l'objectif équivaut à environ 28 mm en 35 mm plein format.) Il utilise un film Kodak Tri-X Pan. Mais après avoir développé le film, Fokos passe au numérique. Si un négatif semble prometteur, il le numérise à très haute résolution (le fichier image en niveaux de gris fait – retenez votre souffle – 800 Mo) et se met à travailler dessus dans Adobe Photoshop. Il passe souvent plus de 100 heures sur une image et finit parfois par la jeter de toute façon. Pourquoi ne pas capturer numériquement ? L'une des principales raisons est que Fokos imprime en grand, parfois jusqu'à 7½ pieds de large. « Et le film 8×10 me donne la résolution dont ils ont besoin », dit-il. "Ce n'est qu'au cours des deux dernières années que la capture numérique a pu rivaliser avec cela." Fokos note également que l'échec de réciprocité (la tendance du film à être sous-exposé à de longues durées d'exposition) de Tri-X aide à empêcher les hautes lumières d'éclater pendant des expositions aussi longues, parfois jusqu'à une heure.
Ce qui nous amène au look de David Fokos. « Pour les scènes contenant beaucoup de mouvement, mes expositions vont de 20 secondes à 60 minutes », dit-il. "Ce processus élimine ce que j'ai appelé le bruit visuel - tous les événements temporels à court terme, les choses qui bougent, qui peuvent nous empêcher de nous concentrer sur les formes fondamentales sous-jacentes. D'une certaine manière, c'est comme feuilleter une page pour révéler un monde qui, bien que très réel, n'est pas vécu visuellement."
La première image de la galerie ci-jointe, de Shark Tooth Cliff sur Martha's Vineyard, MA, a été prise à environ 90 secondes. À cette durée, Fokos s'est rendu compte que la lune montrerait un flou de mouvement. Il a donc également pris une exposition rapide et composé. Il a également ajusté le contraste local et brûlé en haut et en bas.
L'autre image de Fokos dans la galerie, "Eight Rocks and a Stone", a été réalisée sur la plage de Lucy Vincent sur Martha's Vineyard. Capturée en moins d'une seconde à f/45 ou f/64, c'est l'une des rares images de Fokos qui arrête le mouvement. Il dit qu'il voulait "faire une image archétypale qui représente mon été passé à marcher sur cette plage".
Le numérique à la première étape
Alors que les compositions de Chuck Kimmerle évoquent les maîtres du paysage du siècle dernier (il cite Edward Weston et Fay Godwin), il pense que le numérique est une esthétique différente du film. "La capture numérique a un aspect et une sensation différents de ceux du film - ni mieux, ni pire - et je pense que ces différences doivent être célébrées et utilisées à leur avantage", dit-il. "Je n'essaierais jamais de faire ressembler l'un à l'autre. Si je voulais vraiment ou si j'avais besoin d'un look Tri-X, je tournerais un film Tri-X."
Kimmerle photographie avec un Nikon D3x, et ses objectifs comprennent les Nikon 24 mm, 45 mm et 85 mm PC-E pour leurs commandes d'inclinaison et de décentrement. Pour la photo "Sage Fence, Dead Horse Road, WY", dans notre galerie, il a utilisé un 24-70 mm f/2.8 AF-S Nikkor pour faire l'exposition à 1/4 sec à f/8, ISO 100. "Ce l'image est un bon exemple de bon endroit au bon moment », dit-il. "L'armoise est située le long d'une clôture que j'avais traversée une demi-douzaine de fois, sans jamais rien remarquer de spécial. Puis, après une journée à chercher des photos, je me dirigeais vers la maison et, peu après le coucher du soleil, je l'ai littéralement vue sous un nouveau jour. La lumière douce et directionnelle post-coucher du soleil directement dans mon dos faisait briller les branches, comme si elles étaient éclairées de l'intérieur. »
Comme la plupart des tireurs numériques N&B sérieux, il capture en RAW et convertit plus tard. En termes de "Sage Fence, Dead Horse Road, WY", Kimmerle a estimé que l'image avait l'air trop nette et dure. Il a donc ajouté un calque flou dans Photoshop, une technique parfois appelée l'effet Orton (d'après Michael Orton, qui a été le pionnier de la technique utilisant des sandwichs de diapositives).
Kimmerle, qui limite généralement ses modifications à l'esquive et au brûlage, note qu'il s'agissait d'un niveau de manipulation inhabituel. "Travailler numériquement offre un contrôle bien plus important et beaucoup plus d'options d'interprétation que ce que l'on peut trouver dans une chambre noire standard, en particulier pour le travail en noir et blanc", dit-il. « Malheureusement, de nombreuses personnes sont victimes des pièges de la puissance du post-traitement. Ils ne savent pas quand ni comment se retenir, être subtils. Ils en font trop parce qu'ils le peuvent, en s'appuyant sur des astuces et des gadgets numériques qui masquent une image plutôt que de l'améliorer. »
Kimmerle fait des images de paysage exclusivement en noir et blanc, dit-il, pour deux raisons. "La première est que je m'intéresse beaucoup plus à la forme et à la texture d'un objet qu'à sa couleur", dit-il. "Ces traits sont plus puissants, plus émotionnels que la teinte et la teinte d'un objet. L'autre raison est que je crois fermement que la photographie créative est un processus en deux étapes :la création de l'image et la présentation de l'impression. Ou, pour citer Ansel Adams, "Le négatif est la partition et l'impression la performance".
Deux chapeaux très différents
En parcourant le site Web de Chris Clor, vous pourriez avoir l'idée qu'il s'agit de deux photographes différents. Son travail commercial en couleur pour des entreprises clientes tend vers des composites extrêmement imaginatifs (certains pourraient dire exagérés) qui ne sont manifestement pas destinés à représenter la réalité. Ses paysages en noir et blanc, comme sa photographie de l'île de Skye, sont très classiques, voire austères. "Étant donné qu'une grande partie du sujet en noir et blanc que je photographie est un paysage ou un paysage urbain, j'ai adopté une approche plus simple de la photographie, préférant presque aucune manipulation", nous dit-il. "Quelque chose à propos du noir et blanc exige un peu plus de réalisme photographique, car à la base, c'est déjà une abstraction - nous voyons en couleur."
Pour l'image Skye, Clor a utilisé son Canon EOS-1Ds Mark II et un objectif Canon EF 24–70mm f/2.8L pour une exposition de 1/200 s à f/5.6, ISO 100. Après passant en niveaux de gris, il a fait "un minimum d'esquive et de brûlure, un peu de réduction du bruit dans le ciel et une netteté".
Clor utilise actuellement un équipement très différent. "Je préfère mon Sony NEX-7 associé à un seau de vieux objectifs Olympus OM que je possède depuis mon tout premier véritable appareil photo, un Olympus OM-1", dit-il. "Ce sont des lentilles qui ont environ 30 ans et, selon moi, elles surpassent les lentilles modernes."
Penser en N&B
Nos maîtres monochromes sont d'accord :pour perfectionner vos compétences en noir et blanc, faites-le. Beaucoup. « Vous devez consacrer des heures et des kilomètres », déclare Clor. "Je suggérerais de planifier une excursion photographique dans un endroit qui vous intéresse - pas des vacances avec les enfants où vous travaillez sur des prises de vue, mais un voyage consacré à la photographie."
« Pour mieux travailler en noir et blanc, je pense qu'il est important de s'y immerger complètement, en s'entraînant à voir le monde tel qu'il est dans des compositions de noir, blanc et gris », dit Fokos. Il suggère de capturer des images simultanément en RAW et JPEG monochrome pour afficher l'image sur l'écran LCD en n&b.
"La plus grande erreur commise par ceux qui découvrent le noir et blanc est de trop se fier aux différences de couleur plutôt qu'aux différences de luminosité", déclare Kimmerle. « Des couleurs radicalement différentes peuvent apparaître, dans une image en noir et blanc, comme la même nuance de gris. Voir en noir et blanc est une compétence qui s'acquiert par la pratique. »