Dimanche soir, "Moonlight", le magnifique film du réalisateur Barry Jenkins sur le passage à l'âge adulte d'un jeune homme aux prises avec des problèmes de race et de pauvreté, tout en découvrant simultanément son propre rapport à la sexualité, a remporté le prix ultime, celui du meilleur film. trophée aux Oscars. LensCulture vient de publier une longue interview avec le talentueux directeur de la photographie du film, James Laxton. Voici un peu ce qu'il avait à dire.
Perdu parmi la débâcle décidément historique qui a été la conclusion des Oscars de 2017, était un simple fait. "Moonlight", le film qui a finalement remporté le prix du meilleur film (via les producteurs de "La La Land") était une œuvre de cinéma incroyable.
Barry Jenkins et Tarell Alvin McCraney ont conçu un scénario déchirant et éclairant illustrant le passage à l'âge adulte d'un jeune homme confronté à ce qui peut être trois grèves sociétales d'être noir, pauvre et homosexuel. Mais en racontant l'histoire de Chiron, l'équipe créative est allée bien au-delà du cliché.
Le pouvoir ultime de "Moonlight" ne réside pas dans les statistiques, mais dans ce qui se cache entre les lignes. L'intimité avec laquelle l'histoire est racontée permet à l'histoire d'un individu très spécifique d'être relatable à tous les spectateurs. Vous n'avez pas besoin d'être noir pour comprendre son sort sur le plan émotionnel. Pas besoin d'être homosexuel. Votre empathie ne vous oblige pas non plus à venir de Miami. En fait, le directeur de la photographie du film, James Laxton, dont la belle lentille offre une quantité démesurée d'intimité au film, vient d'un tout autre monde.
Dans une merveilleuse interview approfondie d'Alexander Strecker pour LensCulture, Laxton discute de son approche du sujet ainsi que de la myriade d'influences qui ont contribué à définir le style visuel des films.
Je semble être une déclaration simple, mais je pense que dans ces mots se cache une certaine vérité sur tout art, en mouvement ou immobile. La ligne fine entre très bon et excellent réside souvent dans la capacité d'aller plus loin que la surface. Un artiste doit aller au-delà de l'imagerie bidimensionnelle, aussi belle soit-elle en surface, et plonger à un niveau plus profond.
Comprenant cela, Laxton savait qu'il devait trouver un autre niveau. Opérant comme le font de nombreux grands photographes documentaires, en se rendant à Miami sans son appareil photo dans un premier temps, il a appris à connaître les ambiances et les rythmes du monde qu'on lui demandait de refléter.
Cela s'est étendu plus loin dans la production. Alors que la plupart des films ont clairement délimité les frontières entre le directeur de la photographie et l'opérateur de la caméra, la portée réduite et les détails intimes du projet ont exigé que Laxton fasse une grande partie de l'exploitation lui-même.
Le plus important a été sa décision de tourner une grande partie du film à main levée. Bien que cela puisse être une technique surutilisée dans de nombreux films qui semblent secouer la caméra juste pour secouer une caméra, dans "Moonlight", Laxton utilise la liberté de la caméra portable pour capturer les moments intermédiaires qui n'ont peut-être pas réussi dans un cadre parfaitement immobile. Il peut entrer et sortir pendant une scène. Il peut personnellement envahir l'espace d'un acteur. En bref, non seulement il filme la conversation, mais il fait partie de la conversation.
Un exemple clair de cela est son approche du tournage de la célèbre scène de baptême où Juan (joué par Mahershala Ali, lauréat d'un Oscar) apprend à Chiron (ou Little comme il est appelé lors de l'acte d'ouverture) à flotter. Plutôt que de s'installer sur des bâtons depuis la sécurité de la terre ferme, Laxton est entré dans l'eau avec les acteurs. Alors qu'ils combattaient le courant plutôt réel de l'océan Atlantique, Laxton a fait de même. Alors qu'ils partageaient ce moment intime, Laxton aussi. Et, par extension, le public aussi.
Le directeur de la photographie poursuit en mentionnant les multiples sources d'inspiration pour le look de "Moonlight". La plupart des images animées inspirées ont été tirées d'images fixes. L'un des photographes mentionnés était Earlie Hudnall Jr., qui apporte une belle authenticité à son travail.
Laxton a également été fortement influencé par Vivianne Sassen et ses couleurs extraordinaires.
En parlant de couleur, il s'est même inspiré d'une source qui sera chère au cœur de tout photographe. Du moins ceux qui sont assez vieux pour s'en souvenir. Stocks de films. Avec l'histoire du film clairement séparée en trois actes distincts qui fusionnent pour former une histoire complète, Laxton a choisi de donner à chaque section son propre aspect unique.
Comment a-t-il tracé la ligne ? Astucieusement, il a décidé de permettre à chaque look d'être influencé par chacun des trois principaux fabricants de pellicules Fuji, Agfa et Kodak.
Fuji, qui a tendance à pencher vers le bleu et le vert, constituait la première section.
Pour ne pas dire, soit dit en passant, que Laxton a réellement tourné le film sur pellicule. Travaillant avec un certain nombre d'acteurs non professionnels et ayant besoin de pouvoir capturer rapidement des moments inattendus, Laxton a plutôt opté pour le numérique (effectuant une grande partie du travail de couleur susmentionné en post).
Quel que soit le support, Laxton a su trouver l'intimité et l'authenticité nécessaires pour produire des images pour ce qui deviendra sans aucun doute l'un des films les plus influents de la longue histoire du cinéma. Si vous ne l'avez pas vu, consultez-le. Si vous avez seulement regardé la débâcle des Oscars et que vous voulez savoir de quoi il s'agissait, jetez-y un coup d'œil. Ou, si vous avez déjà vu l'histoire de Little, Chiron et Black se dérouler, donnez-lui un nouveau regard et admirez comment un étranger a livré l'un des portraits les plus intimes à avoir jamais remporté l'Oscar.
[via LensCulture]