Une compréhension de base des règles de composition vous aidera à cadrer pour un impact maximal et, en fin de compte, à améliorer le résultat de votre pièce finie.
L'un des meilleurs films des années 1990, selon cet auteur, était un long métrage d'action modestement à la mode appelé Lon (connu aux États-Unis sous le nom de The Professional ), du directeur de la photographie/réalisateur français Luc Besson. L'histoire suit Jean Reno dans le rôle de Lon, un assassin professionnel, et Natalie Portman, dans son premier rôle professionnel, dans le rôle de Mathilda, une enfant orpheline qui se fait aimer du tueur à gages solitaire.
Les scènes puissantes sont la norme dans la majeure partie de ce film; cependant, il y a une scène en particulier qui démontre parfaitement la capacité d'un plan bien composé à raconter une histoire complète. Suite à l'expulsion de leur appartement, avec leurs quelques affaires en main, le tueur à gages et la jeune fille partent à la recherche d'un nouveau logement. À l'aide d'un long objectif, Besson place les deux personnages en bas à droite du cadre alors qu'ils marchent silencieusement dans les rues de la ville vers leur destination finale. Il laisse une grande marge de manœuvre dans le plan, donnant aux personnages un aspect très petit et perdu ensemble contre l'énormité du paysage new-yorkais. La composition de cette scène est extrêmement puissante, et le message est indéniable.
Alors, comment pouvez-vous cadrer des plans qui attireront vos spectateurs, amélioreront votre histoire ou même évoqueront une émotion ? Tout d'abord, cela aide à comprendre les bases d'une bonne composition. Bien qu'il n'existe aucun ensemble de lois régissant la composition, des conventions ont été établies au cours des cent dernières années de production et de consommation de films. Connaître les bases vous permettra de les appliquer efficacement à votre projet et de répondre aux attentes de votre public.
Qu'est-ce que la composition ?
La « composition » fait référence à la disposition des objets dans les limites du cadre. La théorie de la composition a d'abord été utilisée dans les peintures de chevalet et plus tard appliquée à la photographie. Cependant, la composition dans le film et la vidéo est très différente car les sujets peuvent se déplacer dans le cadre et même le cadre lui-même peut se déplacer. De plus, les plans montés les uns à côté des autres dépendent souvent de la composition du cadre pour avoir un sens.
La règle des tiers
Un cadre mal composé est souvent en proie à de grandes quantités d'espace vide ou occupé qui ne font rien pour améliorer le message. Un moyen simple d'éviter cette erreur courante consiste à diviser mentalement votre cadre en trois, à la fois verticalement et horizontalement. Positionnez les intersections de ces lignes horizontales et verticales sur des points clés de votre sujet. Par exemple, si vous photographiez un vase vide sur le fond d'une fenêtre, vous pouvez placer le vase à encadrer juste à l'intersection de vos lignes, laissant la fenêtre occuper à peu près les deux autres tiers du cadre. En plaçant le sujet de premier plan légèrement décentré, vous créez un équilibre intéressant pour le cadre. Les photographes utilisent la règle des tiers comme approche standard pour la composition du cadre. La même chose fonctionne pour les images animées ; cependant, ce n'est qu'un élément de base pour composer un cadre agréable à l'œil.
Mener l'action
Parce que vous allez travailler avec des images en mouvement, le placement arbitraire de votre sujet d'un côté ou de l'autre du cadre pourrait faire plus pour entraver vos efforts que pour les aider. Si vous envisagez de suivre un sujet en mouvement, vous aurez envie de mener votre action. Cela signifie placer votre sujet sur le côté du cadre à partir duquel il se déplace. Par exemple, si vous suivez une voiture se déplaçant de droite à gauche, en utilisant la règle des tiers, cadrez la voiture de manière à ce qu'elle occupe le tiers droit du cadre, laissant de la place pour un mouvement vers l'avant dans les deux autres tiers du cadre.
Continuité
Guider un spectateur à travers une séquence d'événements filmés est une façon de définir la continuité. Lors du cadrage pour la continuité, vous devez considérer comment vous pourriez utiliser les prises de vue dans votre pièce finale. Par exemple, si vous filmez une interview, deux plans rapprochés de la même "tête parlante" coupés dos à dos sembleraient discordants, produisant ce que l'on appelle une coupe sautée. Envisagez de cadrer votre sujet en plan moyen puis en gros plan. Cela vous donnera des options dans votre édition. Cadrer un sujet à partir d'une seule distance focale ou d'un seul angle vous forcera dans un coin et rendra votre montage final très difficile.
Améliorer l'action
Il existe un certain nombre d'astuces que vous pouvez utiliser dans un cadre pour susciter l'intérêt ou forcer la perspective. En voici deux à considérer :
- Concentration sur le rack : Parfois, les sujets sont placés stratégiquement dans un cadre et une mise au point sélective est utilisée pour attirer l'attention d'un sujet sur un autre. Par exemple, vous avez deux personnes composées dans un cadre, un gros plan, le visage remplissant les deux tiers du cadre et un loin en arrière-plan. La personne en arrière-plan crie à la personne au premier plan. Vous voulez que votre public se concentre sur la personne qui crie en arrière-plan vers la personne au premier plan, pour voir comment la personne au premier plan réagit. Au fur et à mesure que l'action se produit, déplacez la bague de mise au point, en déplaçant la mise au point de la caméra et celle de votre public, de la personne en arrière-plan à la personne au premier plan.
Découvrez n'importe quel feuilleton de jour pour voir dans quelle mesure ils utilisent cet effet lors d'une conversation particulièrement tendue ou passionnée. - Angle néerlandais : Parfois, les cinéastes inclineront leur cadre pour renforcer l'émotion ou accentuer la vue d'un point de repère particulier pour ajouter plus d'intérêt à un cadre autrement statique. Un moment de tension peut sembler encore plus dramatique si l'angle est un peu décalé, ce qui ajoute à la perte d'équilibre émotionnel et de bien-être du sujet.
Un exemple d'amélioration de l'arrière-plan statique est présenté ici. Un homme poursuit sa voiture en fuite dans une rue en pente. La rue dans ce plan est déjà inclinée; cependant, pour que le cliché fonctionne bien, le photographe a accentué l'angle. Étant donné que la rue descendait de la gauche de l'appareil photo à la droite de l'appareil photo, le photographe a raccourci la jambe droite du trépied, inclinant l'appareil photo et le cadre vers la droite. Ce "néerlandais" rend l'angle de la rue en pente plus sévère.
Image finale
Comme je l'ai dit, en matière de cadrage, il n'y a pas de véritables lois strictes. La prise de vue vidéo est une forme d'art subjective. Cependant, avoir une bonne compréhension de la meilleure façon de composer vos sujets dans un cadre et utiliser vos sujets dans les limites de ce cadre vous permettra éventuellement de travailler en dehors de ces normes couramment utilisées. Qui sait, vous pourriez même en créer vous-même.
Michael Fitzer est un scénariste et producteur lauréat d'un Emmy™ Award.