La photographie cinématographique ressemble à une capture d'écran d'un film.
Elle implique un éclairage et une composition contrôlés, le choix de l'objectif et la direction du modèle. Et un peu de savoir-faire en matière de post-traitement.
Dans cet article, je vais vous montrer comment créer des portraits avec un aspect cinématographique.
Orientation de l'appareil photo pour les portraits cinématographiques
L'aspect de la caméra doit être horizontal pour créer un portrait cinématographique. Les films ont un format d'image plus large que les appareils photo.
Vous devez garder cela à l'esprit lorsque vous composez vos portraits.
Laissez suffisamment d'espace au-dessus ou en dessous de votre sujet. Ou vous n'aurez pas assez de place pour bien recadrer.
Et allumez l'affichage de la grille de votre appareil photo ou de votre viseur. Cela vous aidera à adapter vos portraits aux bonnes dimensions.
Raconter une histoire visuelle
Les films sont sur la narration. Les portraits cinématographiques doivent également raconter une histoire.
Ils doivent dire au spectateur quelque chose sur le personnage. Mais cela n'a pas toujours besoin d'être évident.
Créer une histoire photographique consiste à diriger le modèle et la composition.
Vous devez bien communiquer avec votre modèle afin qu'il comprenne ce que vous attendez de lui.
Il doit connaître votre vision et l'idée que vous souhaitez exprimer à travers le portrait.
La photo ci-dessous est l'une des premières J'ai réalisé lors d'une session de deux jours à Bangkok.
Mon modèle était nerveux et ça se voyait. Mais j'ai expliqué que je voulais des photos naturelles. Le but était de se concentrer sur elle avec les trois autres modèles en arrière-plan.
Je lui ai parlé et elle a compris l'intention. Ensuite, je lui ai suggéré d'utiliser son téléphone comme accessoire.
Elle a appelé une amie et a discuté avec elle. Et le résultat est un portrait naturel.
Tout ce qui entoure votre modèle est important pour raconter une histoire. S'il y a des éléments dans votre composition qui ne supportent pas votre histoire, supprimez-les.
Ou déplacez votre modèle jusqu'à ce que les éléments indésirables soient hors du cadre.
Sur cette photo de mon ami, il y avait un camion À gauche. Cela n'a rien ajouté à l'histoire, donc je ne l'ai pas inclus.
Les vaches le font parce qu'elles font partie du paysage rural.
Parfois, vous n'avez pas besoin de l'arrière-plan. Le personnage de votre sujet peut être une histoire assez forte.
Cela fonctionne mieux si vous avez un modèle très confiant et expressif.
Comment contrôler la composition pour obtenir un look cinématographique
La façon dont vous composez les portraits cinématographiques doit soutenir votre histoire. Votre choix d'objectif et de réglage d'ouverture aura une grande influence. L'angle de vue que vous choisissez est également important.
De nombreux photographes cinématographiques préfèrent utiliser des téléobjectifs car ils compriment la scène. Il est souvent plus facile d'obtenir un arrière-plan flou créatif avec un objectif plus long.
J'aime faire des portraits cinématographiques avec mon objectif 35 mm sur un boîtier plein format.
J'ai pris cette photo sur le Sky Train de Bangkok avec mon 35 mm f1. 4 lentilles. L'emplacement signifiait que je devais être proche de mon modèle.
Le 35 mm était parfait pour inclure également une partie de l'environnement.
Trouver l'équilibre dans le bokeh peut être plus efficace que le flou total. De nombreux portraits cinématographiques ne contiennent aucune information pour étayer l'histoire. Cela ne fonctionne pas toujours bien.
Adoucir trop l'arrière-plan peut priver un portrait de sens.
Maîtriser l'arrière-plan. Tout n'a pas besoin d'être net ou d'un flou total. Au lieu de cela, rendez-le suffisamment doux pour qu'il soit toujours reconnaissable mais pas distrayant.
Les scènes de film sont souvent une combinaison d'angles différents mettant en scène le même sujet. Une scène peut commencer en contre-plongée, passer en vue de dessus, puis recadrer en gros plan.
Recherchez différentes perspectives. Essayez plus que le premier angle auquel vous pensez, car ce sera ce que la plupart des gens photographieront.
Regardez vos films préférés pour vous inspirer. Comment le réalisateur utilise-t-il l'angle de la caméra pour créer et soutenir le ton de son histoire ?
Une position de caméra aérienne ajoute du drame à cette photo. Positionner le couple comme je le voulais pour avoir le bon angle et la lumière était difficile, mais cela a payé.
J'ai contrôlé l'éclairage pour que son visage soit le plus lumineux tout en ayant suffisamment de lumière sur son visage et son tatouage. Le point de vue élevé m'a permis d'avoir son visage à côté du tatouage et son visage proche dans le cadre également.
Pourquoi devriez-vous utiliser une variété de compositions
Faites des compositions en gros plan, moyennes et larges. Les films présentent souvent une combinaison de ces trois éléments pour construire l'histoire.
Pour établir la scène, un réalisateur utilisera un grand angle. Cela donne au spectateur une large perspective de la scène et commence à construire l'histoire dans son esprit. Vous pouvez placer une personne au premier plan ou plus en arrière pour faire un large portrait cinématographique.
Une vue moyenne montrera plus de détails et sera plus relationnelle. Cela aidera à développer des sentiments et à transmettre un sentiment de connexion.
Les gros plans créeront de l'émotion et de l'intimité. Vous pouvez exprimer des sensations plus intenses en vous rapprochant, en particulier avec un objectif grand angle.
L'affichage de portraits larges, moyens et rapprochés en série complètera votre histoire. Il sera également impressionnant sur votre flux Instagram et sur d'autres réseaux sociaux.
Comment utiliser l'éclairage cinématographique pour la photographie
L'éclairage dans les films est toujours une partie importante de la production. Lorsqu'ils travaillent avec la lumière du jour, les réalisateurs attendent les bonnes conditions.
Le style et la technique d'éclairage varient. Il y a des films entiers tournés uniquement à certains moments de la journée, ou avec le même éclairage mis en place. Il s'agit d'obtenir l'ambiance souhaitée. Utilisez ces techniques lorsque vous créez votre série de portraits cinématographiques.
Le contrôle de l'éclairage est essentiel. Cela doit avoir l'air intentionnel. Vous ne pouvez pas laisser le hasard au hasard sinon votre portrait ne racontera pas l'histoire. Plus votre utilisation de l'éclairage est ciblée, plus l'histoire visuelle que vous raconterez sera forte.
Le style dépend de l'histoire. Un style d'éclairage de film noir à contraste élevé soutiendra un portrait très dramatique. Une lumière douce produira une sensation plus romantique ou contemplative.
Plusieurs lumières produiront une ambiance différente d'une seule lumière. Assurez-vous que votre style d'éclairage améliore le caractère de votre histoire.
Photographie cinématographique post-traitement
Certains appareils photo sont livrés avec des options prédéfinies que vous aimeriez peut-être expérimenter pour obtenir un look cinématographique.
Le post-traitement d'un fichier image RAW est le meilleur moyen de créer l'ambiance et la sensation pour des portraits cinématographiques. Une certaine quantité de désaturation est courante pour créer le bon look. Cela fait partie du look de la photographie cinématographique.
Vous pouvez également essayer de rendre des portraits en noir et blanc. Pas seulement en désaturant, mais en manipulant soigneusement les tons.
Le plug-in Silver Efex Pro 2 pour Photoshop est un superbe outil pour convertir des photos couleur en noir et blanc.
Gardez à l'esprit l'histoire que vous êtes récit. Faites correspondre votre post-traitement pour travailler avec le caractère de votre portrait. Si vous exprimez un sentiment romantique, n'utilisez pas de traitement dur, rendez-le doux.
Lorsque vous souhaitez améliorer le drame dans un portrait cinématographique, ajoutez du contraste pour créer de la nervosité.
Les films ont un rapport d'aspect qui est plus large que 35 mm ou formats d'appareils photo à capteur recadré. L'aspect du cadre est de 2,35 à 1 alors qu'un aspect de cadre de 35 mm est de 1,5 à 1.
Recadrez un portrait pour qu'il corresponde à la forme de l'enveloppe que nous voyons lorsque nous regardons un film. Cela déclenche une connexion subconsciente dans l'esprit du spectateur. La photo donne immédiatement l'impression d'être cinématographique à cause de la forme.
Faire le choix de recadrer étroitement le haut de sa tête et de retirer davantage le bas était facile. Cela crée le rapport de dimension correct pour correspondre à un écran de film.
Pour ce faire, j'ai créé un nouveau document dans Photoshop avec un rapport de 2,35 à I. Je l'ai fait 3840 de large et 1634 de haut. J'ai ensuite ouvert la photo et l'ai glissée dans le nouveau document pour faire un recadrage aux bonnes dimensions.
Conclusion
Expérimentez avec l'éclairage, l'angle de la caméra, la composition et le choix de l'objectif. Imitez ces choses de vos réalisateurs de films préférés.
Pratiquez différentes méthodes de post-traitement. Essayez la même photo en noir et blanc, désaturée. Puis avec plus de contraste ou avec moins de contraste. Comparez les résultats et décidez lequel vous préférez.
N'oubliez pas de garder à l'esprit votre histoire. C'est la clé pour créer de bons portraits cinématographiques et développer un style reconnaissable. Recherchez l'équilibre dans votre sujet, l'éclairage, l'arrière-plan et le post-traitement.
Soyez cohérent avec ceux-ci et votre style de photographie cinématographique émergera bientôt.
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