Des portraits incroyables de créateurs d'images ont été présentés en première à Tribeca 2019, et quelques nouveaux documentaires au programme affirment la valeur de la narration intime.
Au festival du film Tribeca de cette année, plusieurs nouveaux documentaires révèlent le pouvoir de la narration avec une caméra. Voici nos pensées.
Martha :une histoire en images
Quand New York Post photographe Martha Cooper a passé au peigne fin Alphabet City pour des images de remplissage dans les années 1970, le street art était un acte de transgression émergent et éphémère. Le graffiti n'était pas encore son sujet de photographe. Elle avait quelque chose en commun avec ces étrangers anonymes qui créaient leurs propres mondes sur des murs de briques. Leur jeu créait de la joie à partir de tout ce qui se trouvait autour. Cooper était alors attiré par l'émerveillement, d'autant plus qu'il appartenait à des enfants qui s'amusaient dans des quartiers dévastés alors que l'économie immobilière de New York tournait mal. Les images que Cooper a trouvées entre les reportages étaient toutes magiques au milieu de la morosité quotidienne. Vous reconnaîtrez peut-être certains des enfants qu'elle a photographiés :un garçon tenant une bouche d'incendie jaillissante, un jeune homme avec un pigeon perché sur sa main avec la ligne d'horizon de New York en arrière-plan. Des artistes comme Shepherd Fairey et Banksy se sont appropriés les images de Cooper en hommage.
Une grande partie des premiers travaux de Cooper à New York comportaient des balises en gras en arrière-plan. Plus tard, elle a trouvé des âmes sœurs chez les graffeurs et est devenue célèbre pour avoir documenté leur travail dans son livre photo Art du métro . Le premier long métrage documentaire de Selena Miles, Martha :Une histoire en images, reprend avec l'influence considérable de ce volume, que tant d'amateurs d'art de rue et d'artistes appellent "la Bible".
Le film fait immédiatement aimer les téléspectateurs à "Marty" Cooper et à son travail. À 34 ans, elle est devenue la première femme à travailler comme photographe pour le Post et a commencé à constituer le trésor d'œuvres effusives cataloguées dans Martha :A Picture Story . Chaque séquence de diapositives d'archives à succès rapide et chaque coupe agile et précise est un crochet dans le documentaire contagieux et vibrant. Martha :une histoire en images est un film sur la diffusion de la culture visuelle avant Internet. L'excitation de découvrir cette culture - et, pour Cooper, ce que c'était de l'avoir vue en premier et de la diffuser - est le cœur du film. Une bande-son pleine de funk et de groove correspond à la fois à l'énergie de Cooper et à celle de ses fidèles émerveillés.
Miles est un cinéaste australien autodidacte qui a réalisé un film hi-fi avec Martha :A Picture Story . Le public peut voir Cooper d'aujourd'hui dans la soixantaine se balader avec des graffeurs encapuchonnés, discutant de l'impulsion de son travail. La ruée qui l'a ramenée dans la rue la nuit avec ces personnages anonymes est si puissante et si légère. Lorsqu'un conservateur dit à Cooper que les gens ne prennent pas les visages souriants aussi au sérieux lorsqu'il s'agit de photographies, son rire rebondit à travers la galerie blanche et éventée qui les entoure. Cooper visite des murs de graffitis autoportants protégés par une porte à Miami et se demande si ses photos peuvent toujours être pertinentes lorsque le support est si contenu et facilement instagrammable. Martha :une histoire en images prouve l'utilité d'esprits comme celui de Cooper alors que les villes s'embourgeoisent et que des étiquettes et des peintures murales non autorisées - le témoignage de l'histoire d'un peuple - sont peintes.
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Tout ce que je peux dire
Le leader de Blind Melon, Shannon Hoon, était connu dans son entourage pour avoir filmé presque chaque instant de 1990 jusqu'au jour de sa mort en 1995. Ces moments évocateurs et privés ont été assemblés par les réalisateurs Danny Clinch, Taryn Gould et Colleen Hennessy, qui attribuent également Hoon en tant que réalisateur. Le résultat est un hommage doux-amer et déchirant au potentiel indéniable de Hoon en tant que cinéaste.
Les camarades du groupe de Hoon le réprimandent constamment à propos de "jouer avec sa caméra vidéo" avant les émissions à enjeux élevés ; Lisa, sa chérie du lycée, lui demande d'arrêter de rouler quand ils sont seuls. Des moments tout au long du film contredisent gentiment leurs démentis et affirment la valeur suprême de la caméra comme messagère. Le chanteur/guitariste enregistre la télévision lorsque la nouvelle des émeutes de L.A. éclate et qu'un journaliste mentionne un "photographe amateur" (George Holliday) qui a tourné et diffusé une vidéo cruciale de la police battant Rodney King. La vidéo de Blind Melon pour "No Rain" est la raison pour laquelle le single a atteint la septième place du palmarès Billboard un an après la sortie de l'album, apprend-on via les images de Hoon.
Ses sensibilités vont du patiemment néoréaliste au tendrement loufoque en passant par le personnel discordant. Un habitant du Midwest de bout en bout, Hoon apparaît comme une âme inébranlable mais douce. Il jette une mauvaise critique dans les toilettes devant la caméra et enregistre un appel téléphonique avec son père à la veille d'une peine de prison pour conduite avec facultés affaiblies. Hoon trompe la caméra alors qu'il traverse le pays Amish près de sa ville natale de Lafayette à l'aube d'un déménagement à Los Angeles, nage dans une piscine avec ses nouveaux camarades de groupe destinés à la renommée et prend le premier appel téléphonique dans la salle d'accouchement avec Lisa et sa petite fille. Ce sont aussi les petits moments d'ennui entre les deux qui enseignent à nos sens qui était Noon et ce que son appareil photo signifiait pour lui.
Tout ce que je peux dire l'énonce directement. Un journaliste interroge Hoon sur les références religieuses dans les paroles de chansons comme "Holyman", et il répond de manière révélatrice :il ne croit pas en la religion, mais il décrit son expérience de Dieu comme "s'asseoir seul et parler à quelqu'un", le rituel qu'il a observé. avec son appareil photo. Hoon est vu et connu le plus pleinement par la caméra dont il ne se sépare jamais. Cette communion était quelque chose qu'il voulait partager avec le monde. C'est vers la toute fin qu'il le dit carrément. "Je veux me lancer dans le cinéma", avoue-t-il. Blind Melon est trop grand, la vie est trop occupée, dit-il. Et il est déjà assez difficile d'atteindre le seuil de rentabilité sur la route après avoir essayé une cure de désintoxication pour la drogue et l'alcool. Hoon s'est enregistré dans un lit d'hôtel en disant à Lisa au téléphone à quel point il avait besoin de descendre du bus de tournée et d'être là lorsque leur fille prononce ses premiers mots. Il s'agit de la dernière image des archives de Hoon, prise des heures avant qu'il ne soit retrouvé inconscient dans ce bus le jour de sa mort.
La canalisation respectueuse faite par l'équipe de cinéastes – en particulier le montage de Gould – n'était rien de moins qu'une entreprise spirituelle. Le résultat de leurs soins est un film obsédant qui se sent fidèle à la vision de Hoon exprimée dans ses images et ses mots. Après être devenu si enveloppé dans le monde de Hoon, il est possible d'imaginer le musicien ravi de la forme que son travail a prise. Si seulement la fin pouvait changer.
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Un enfant de Coney Island
Pour chaque personnage public potentiel doué et intéressé à raconter sa propre histoire, un autre est incapable de synthétiser son expérience et de plaire aux autres. Des carrières entières peuvent dépendre de ces forces. Les médias utilisent notoirement des joueurs incompris de la NBA comme lignes principales pour les commérages et le drame. Quand Zatella Beaty affecte profondément Iverson est sorti en 2014, le public a finalement absorbé toute l'histoire derrière l'extérieur irrévérencieux de la NBA All Star à 11 reprises. Des films comme le sien transcendent des années d'extraits sonores entendus par les fans.
Il y a un moment dans Un enfant de Coney Island quand Stephen A. Smith l'explique parfaitement. La raison pour laquelle Stephon Marbury était si détesté par les fans des Knicks, dit-il, est qu'il n'a jamais noué de relation solide avec quelqu'un – un journaliste, un entraîneur – qui pourrait diffuser le message de qui il est et d'où il vient. Les cinéastes Coodie Simmons et Chike Ozah (vidéo "Through The Wire" de Kanye West) l'ont fait pour Marbury avec une profondeur touchante dans Un enfant de Coney Island. L'urgence ressentie par les amis et la famille de Marbury pour transmettre sa transformation est indéniable dans ce documentaire, grâce à des interviews filmées sous des angles extrêmement variés dans des configurations dynamiques adaptées à chaque sujet. Même la claymation est utilisée pour articuler des scènes de l'ascension sous pression de Marbury vers les Timberwolves du Minnesota à 20 ans.
Le rappeur et proche camarade Fat Joe, la mère et les frères et sœurs de Marbury, ainsi que ses collègues de la cour facilitent une gamme émotionnelle saisissante. Le film se déroule à la vitesse du bal de rue de New York en racontant l'histoire des chaussures de basket-ball à 15 $ bien intentionnées mais ratées de "Starbury" (LeBron a tout gâché avec sa critique négative), son conflit de personnalité standard avec l'entraîneur tristement difficile des Knicks Larry Brown, et son désir depuis sa plus tendre enfance de sortir sa famille de la pauvreté avec un contrat NBA. Nous voyons Marbury d'aujourd'hui dans la chair lorsqu'il part pour la Chine en exil et devient une nouvelle personne après que la mort de son père l'ait presque complètement éloigné du basket-ball.
Des scènes filmées dans un salon de coiffure de Coney Island après la retraite de Stephon montrent que le natif de New York exprime ses objectifs d'une manière qu'il n'aurait jamais pu auparavant. Il dit à un petit garçon qui a l'intention de rejoindre la NBA que, bien sûr, il pourrait le faire, ou qu'il pourrait être le président s'il le souhaite. "Tu sais que mon documentaire va parler de toi", lui dit Marbury.
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Short collectif Queen
Pour baptiser les efforts de Queen Latifah pour nourrir les cinéastes et accélérer l'équité entre les sexes et les races derrière la caméra, deux courts documentaires ont été projetés à Tribeca avant de faire leurs débuts sur Hulu ce week-end. "Ballet After Dark" annonce la voix distinctive du réalisateur B. Monet avec un profil de Tyde-Courtney Edwards. Elle a fondé le soi-disant programme de thérapie par la danse pour les survivants de traumatismes. Alors qu'Edwards raconte sa propre histoire, les danseurs semblent interpréter l'attaque et les conséquences dans les modes de l'art de la performance. La forme frise l'expérimentation tout en utilisant des éléments astucieux pour protéger un récit fondé. C'est un équilibre difficile à trouver. Monet prouve que cela peut être fait avec élégance. Des séquences de ballet d'ensemble filmées dans un grand bâtiment abandonné font écho aux pauses du documentaire de 2012 de Heidi Ewing et Rachel Grady Detropia, lorsqu'un jeune chanteur d'opéra a été montré en train de tester l'acoustique de la ruine pendant de courts intermèdes. La chorégraphie inspirée agit comme un nettoyage à la fois pour le sujet et pour le spectateur qui découvre les bienfaits de la danse-thérapie de manière viscérale et active.
B. Monet a expliqué sur scène comment le mentorat basé sur les processus par le biais de The Queen Collective via Procter &Gamble a changé sa vie. Elle est apparue à la première aux côtés de Haley Elizabeth Anderson, qui a réalisé le court métrage "If There Is Light." Ce film montre une mère naviguant dans l'enfer de l'itinérance à New York alors qu'elle est malade à travers les yeux de sa fille de 14 ans, Janiyah, qui raconte franchement le film. Les deux courts métrages de The Queen Collective témoignent d'une persévérance inébranlable, ce que les cinéastes ont déclaré avoir appris en se connectant avec des comptes bancaires vides et en continuant à travailler malgré le fait qu'ils se sentaient invisibles. Latifah a déclaré vendredi à la réalisatrice Dee Rees dans une introduction que les femmes des équipes de ses projets avaient soif de mentorat. Elle veut aider.