i. Pré-production:la planification est la clé
* comprendre la scène:
* Objectif: Quel est le but de cette scène dans l'histoire globale?
* caractères: Quelles sont leurs motivations, leurs relations et leurs états émotionnels? Comment le dialogue révèle-t-il ces aspects?
* sous-texte: Qu'est-ce qui n'est pas dit? Quels sont les personnages * qui communiquent vraiment * sous la surface?
* rythme et rythme: Le dialogue est-il rapide et conflictuel, ou lent et contemplatif?
* Analyse du script:
* Blocage: Visualisez où les personnages seront positionnés dans la scène. Considérez leurs mouvements pendant la conversation. Seront-ils assis, debout, marchant?
* battement émotionnel: Identifiez les principaux changements émotionnels dans le dialogue. Ces battements éclaireront vos choix de tir et la direction de l'acteur.
* Scoutisme de localisation:
* Adéabilité: L'emplacement correspond-il au ton et à l'atmosphère de la scène?
* Éclairage: Comment allumerez-vous la scène efficacement? Y a-t-il des lumières pratiques disponibles?
* Sound: L'emplacement est-il suffisamment silencieux pour l'enregistrement audio clair?
* intérêt visuel: L'emplacement offre-t-il des arrière-plans et des opportunités intéressants pour des angles de caméra dynamiques?
* Liste des tirs:
* Couverture: Planifiez une variété de photos pour vous donner des options dans l'édition.
* Master Shot: Un plan large qui établit la scène et montre tous les personnages du cadre.
* Plans à épaule (OTS): Fradiant un personnage derrière l'épaule d'un autre, en se concentrant sur le personnage parlé.
* Close-ups: Se concentrer sur le visage d'un personnage pour capturer leurs émotions et leurs réactions.
* Plans de réaction: Capturer les réactions des personnages pendant qu'ils écoutent. Souvent fait en gros plan.
* Cutaways / Insérer des photos: Des plans courts qui montrent des détails liés à la scène (par exemple, les mains d'un personnage, un objet significatif).
* Considérez le mouvement de la caméra: Planifiez des prises de vue Dolly, des photos de poche ou des casseroles pour ajouter un dynamisme visuel. Être attentif à leur but. Ne déplacez pas la caméra juste pour le déplacer.
ii. Production:sur l'ensemble
* Acteurs de réalisation:
* Communication claire: Communiquez clairement votre vision aux acteurs. Expliquez l'objectif de la scène, les motivations de leur personnage et le ton émotionnel souhaité.
* répétitions: Permettez au temps des répétitions d'affiner le blocage, la livraison de dialogue et les battements émotionnels.
* Feedback: Fournissez des commentaires constructifs pour aider les acteurs à offrir leurs meilleures performances.
* Écoutez les acteurs: Soyez ouvert à leurs idées et suggestions, car ils peuvent offrir des informations précieuses sur leurs personnages.
* techniques de caméra:
* Master Shot First: Généralement, tirez d'abord le tir maître. Cela établit la scène et aide les acteurs à se mettre à l'aise.
* La couverture est roi: Obtenez une grande couverture. Vous pouvez toujours couper des tirs, mais vous ne pouvez pas créer ce que vous n'avez pas. Ne comptez pas simplement sur les coups d'opération OTS; Expérimentez avec différents angles.
* Plans aux épaules (OTS):
* placement: Positionnez la caméra légèrement au-dessus ou en dessous de la ligne des yeux du caractère au premier plan pour éviter de bloquer la face du caractère en arrière-plan.
* focus: Assurez-vous que l'objectif est vif sur le personnage qui est parlé.
* Close-ups:
* Impact émotionnel: Utilisez des gros plans pour souligner les moments émotionnels et connecter le public aux personnages.
* focus: Portez une attention particulière à l'accent mis sur les yeux. Les yeux sont les fenêtres de l'âme.
* Plans de réaction:
* timing: Capturez des prises de vue après la livraison de la ligne de dialogue. Permettez à l'acteur un ou deux battements de réagir naturellement.
* Subtillant: Parfois, les réactions les plus puissantes sont subtiles.
* Mouvement de la caméra:
* Mouvement délibéré: Utilisez le mouvement de la caméra avec parcimonie et intentionnellement pour souligner les moments clés, révéler des informations ou créer un sentiment de tension.
* Smoothness: Utilisez un trépied, un chariot ou un cardan pour assurer des mouvements lisses de la caméra. Évitez les ordinateurs portables tremblants à moins que ce ne soit un choix stylistique.
* Règle à 30 degrés: Lors de la coupe d'un coup à un autre sujet, modifiez l'angle de la caméra d'au moins 30 degrés pour éviter une coupe de saute.
* règle 180 degrés (la ligne): Maintenez une direction d'écran cohérente en gardant la caméra d'un côté d'une ligne imaginaire entre les personnages. Le franchissement de la ligne peut désorienter le spectateur. Il y a des moments pour enfreindre cette règle, mais vous devez savoir pourquoi vous le faites.
* Éclairage:
* Éclairage à trois points: Une configuration d'éclairage commune qui utilise une lumière clé, remplit la lumière et le rétro-éclairage pour éclairer le sujet. C'est un point de départ, pas une règle rigide.
* Éclairage naturel: Utilisez la lumière naturelle chaque fois que possible, mais préparez-vous à le compléter ou à le modifier pour atteindre l'aspect souhaité.
* Motivation: Assurez-vous que l'éclairage est motivé par une source dans la scène (par exemple, une fenêtre, une lampe).
* Sound:
* Audio propre: Prioriser la capture de l'audio propre. Utilisez des microphones pour vous rapprocher le plus possible des acteurs sans être dans le cadre.
* bruit ambiant: Minimisez le bruit ambiant en éteignant les appareils, en demandant aux gens de se taire ou en enregistrant le ton de la salle à utiliser en post-production.
iii. Post-production:fabrication de la scène
* Édition:
* rythme: Contrôlez le rythme de la scène par édition. Des coupes plus courtes peuvent créer un sentiment d'urgence, tandis que des coupes plus longues peuvent créer une humeur plus contemplative.
* Plans de réaction: Utilisez des photos de réaction pour souligner les moments émotionnels et connecter le public aux personnages.
* Couper l'action: Coupez l'action pour créer un flux transparent entre les tirs.
* rythme: Établissez un rythme avec vos modifications. Mélanger les plans longs et courts pour maintenir l'intérêt visuel.
* Évitez les coupes de saut: Soyez attentif à éviter les coupes de saut. Utilisez des coupes ou des transitions pour se déplacer en douceur entre des prises de vue similaires.
* conception sonore:
* Nettoyer l'audio: Retirez le bruit indésirable et ajustez les niveaux audio pour assurer la clarté.
* Ajouter l'ambiance: Ajoutez des effets sonores ambiants pour créer un paysage sonore réaliste et immersif.
* musique: Utilisez de la musique pour améliorer l'impact émotionnel de la scène.
* Gradage des couleurs:
* cohérence: Assurez-vous un classement cohérent des couleurs tout au long de la scène pour créer un aspect visuel cohésif.
* Humeur: Utilisez le classement des couleurs pour améliorer l'humeur et l'atmosphère de la scène.
Conseils pour rendre les scènes de dialogue plus dynamiques:
* Mouvement: Incorporez le mouvement dans la scène. Demandez aux personnages de marcher et de parler, ou utilisez un mouvement de la caméra pour les suivre.
* intérêt visuel: Utilisez des arrière-plans, des accessoires ou des angles de caméra intéressants pour ajouter un intérêt visuel à la scène.
* sous-texte: Utilisez des indices visuels pour communiquer le sous-texte. Le langage corporel d'un personnage, les expressions faciales ou les objets qui les entourent peuvent révéler des significations cachées.
* Varition de tailles de tir: Ne comptez pas simplement sur les coups de but OTS. Utilisez une variété de tailles de tir pour garder la scène visuellement engageante.
* conflit: Introduisez des conflits dans la scène pour créer des tensions et maintenez le public engagé. Cela ne doit pas toujours être un argument; Il peut s'agir d'un désaccord subtil ou d'une tension non dites.
* Utilisez le silence: N'ayez pas peur du silence. Un silence bien placé peut être aussi puissant que le dialogue.
* Laissez les acteurs agir: Ne dirigez pas trop. Faites confiance à vos acteurs pour apporter leurs propres interprétations aux personnages.
erreurs courantes à éviter:
* Plans statiques: S'appuyer trop sur des photos statiques peut rendre la scène ennuyeuse.
* excessive sur les OT: Les photos OTS sont utiles, mais ne les abaissez pas.
* Audio pauvre: Rien n'est plus distrayant qu'un mauvais audio.
* Ignorer la continuité: Faites attention aux erreurs de continuité dans la garde-robe, les accessoires et l'éclairage.
* précipiter le processus: Prenez le temps de planifier et d'exécuter attentivement la scène.
* Oublier l'histoire: Gardez toujours l'histoire globale à l'esprit. Chaque scène doit servir un but.
En suivant ces conseils, vous pouvez tourner des scènes de dialogue qui sont visuellement engageantes, émotionnellement résonnantes et faire progresser efficacement votre histoire. N'oubliez pas d'expérimenter et de trouver votre propre style. Bonne chance!