Si vous n'avez pas entendu parler de la technique du stop motion, vous avez certainement constaté sa présence dans l'industrie cinématographique littéralement à chaque décennie. Du King Kong original des années 1930 aux Boxtrolls de l'année dernière, le stop motion continue d'être une technique appréciée des animateurs et des cinéphiles. Travailler en stop motion n'est pas facile, mais les résultats en valent la peine.
Comme toute animation, cela se fait image par image, mais au lieu de dessiner une nouvelle image, vous manipulez des modèles physiques dans des ensembles réels. Vous posez votre modèle, exécutez un cadre à travers la caméra, déplacez le modèle progressivement et répétez - encore et encore. C'est un processus lent, certes, mais les résultats ajoutent un style et une sensation uniques à un projet.
Temps de préparation
Il existe un certain nombre de bonnes raisons d'utiliser le stop motion dans un projet, mais cela n'est pas aussi simple que d'installer votre trépied et de prendre des photos. Même les animations les plus élémentaires nécessitent une grande quantité de planification pour être exécutées. Comme pour tout projet, cela commence par le script.
Écrire pour une animation n'est pas différent des scripts normaux, mais vous avez plus de possibilités de laisser libre cours à votre imagination. Vos restrictions ne sont plus ce que vous pouvez accomplir avec des acteurs et des lieux, mais ce que vous êtes capable de créer. Cette liberté peut être enivrante mais ne doit pas devenir incontrôlable. Le stop motion offre une multitude de possibilités, mais il demande énormément de travail.
Bien qu'il soit possible d'avoir une scène de bataille épique avec des milliers de personnages, animer une telle scène avec des modèles individuels prendra du temps. Par tous les moyens, explorez des idées uniques que vous n'auriez pas pu trouver autrement lors du développement de votre histoire, mais gardez à l'esprit le temps nécessaire à l'animation.
Chaque vidéo doit être planifiée (feuilles de plans, storyboards, etc.) dans une certaine mesure, mais pour l'animation, c'est beaucoup plus crucial. Le stop motion nécessite des heures de travail pour quelques secondes de séquences utilisables, il est donc nécessaire d'avoir un plan d'action solide pour chaque scène. Après tout, vous ne voudriez pas passer des heures, voire des jours, à travailler sur une photo dont vous n'avez pas besoin. Faites de votre mieux pour tout composer comme vous le souhaitez avant de vous lancer dans l'animation.
Construire vos personnages
Une fois les préparatifs terminés, il est temps de déterminer ce que vous allez animer. Les matériaux que vous utilisez dépendent du type de personnages que vous avez. Puisqu'il n'y a pas d'acteurs traditionnels, c'est à vous de créer des personnages qui non seulement résonnent auprès du public, mais ne vous tueront pas à animer. Essayez quelques conceptions pour vos personnages avant de les graver, car une fois la production commencée, vous ne pourrez plus apporter de modifications.
La pâte à modeler est depuis longtemps un choix préféré pour les animateurs en stop motion car elle vous donne la liberté de créer des personnages non traditionnels, mais vous pouvez utiliser à peu près n'importe quoi :des figurines d'action aux LEGO. Indépendamment de ce que vous choisissez, assurez-vous que c'est quelque chose que vous pouvez facilement manipuler et qui tiendra sa position.
À cette fin, les armatures sont idéales pour vos personnages. Les modèles en argile sont plus mous et ne pourront pas tenir leur position dans le temps. Les armatures empêchent cela en étant un squelette sur lequel vous construisez le personnage. Ils empêchent le modèle de s'affaisser entre les prises de vue et aident à faire des mouvements plus minutieux pour votre personnage.
Les armatures ne doivent pas nécessairement être compliquées ni chères achetées en magasin. Même plier le fil dans la forme de base que vous désirez (idéal pour les personnages plus fantastiques) et construire votre modèle autour de cela est préférable à rien. L'utilisation d'articles ménagers comme des jouets peut annuler le besoin d'armatures. Quoi qu'il en soit, assurez-vous qu'il s'inscrit dans le monde/l'histoire que vous créez.
Les rendre réels
Plus que des appendices mouvants, vos personnages doivent s'exprimer. Vous devez concevoir les expressions faciales de vos personnages afin de transmettre leurs émotions. Avec la pâte à modeler, il est possible de contrôler les traits du visage image par image à chaque mouvement, mais cela s'accompagne de son propre ensemble de maux de tête. Comme alternative, il peut être plus facile de créer plusieurs têtes pour vos personnages avec différentes expressions et de les échanger entre les cadres selon les besoins.
Cela permet de gagner un temps précieux et ne nécessite qu'un effort supplémentaire en amont pour créer et organiser les sculptures. Ils sont particulièrement utiles lorsqu'il s'agit de dialogues, qui doivent être enregistrés avant l'animation.
Sur le plateau
Vos personnages ont besoin d'un endroit où aller. Les placer dans un vide ne crée pas de narration ou de visuels intéressants, vous devrez donc créer des ensembles. Comme vos personnages, la façon dont vous créez les décors dépend entièrement de vous et du script. Assurez-vous simplement qu'ils sont suffisamment grands pour contenir vos modèles et vous donner la liberté de filmer sous différents angles.
Lorsque vous travaillez avec des ensembles miniatures, il est facile d'oublier les détails, alors gardez à l'esprit les petites choses. Par exemple, lors de la construction d'un ensemble de chambre à coucher, il est important de se rappeler ce qui compose une chambre à coucher. Les lits ont besoin de draps et d'oreillers, les placards sont généralement remplis de vêtements, la plupart des commodes ont des bibelots, etc. Ces détails sont souvent négligés dans le processus de création d'ensembles, mais ajoutent beaucoup de flair visuel à vos scènes. D'un point de vue stylistique, il existe de bonnes raisons de les ignorer, mais cela doit être une décision consciente, et non parce que vous avez oublié.
Comme pour tout ce que vous filmez, l'éclairage est un élément crucial, mais lorsque vous utilisez des miniatures, cela demande plus de réflexion. Non seulement vous éclairez pour le tournage, mais vous devez éclairer votre décor de manière réaliste. Pour les intérieurs, comme la chambre à coucher, vous devez penser à la provenance de la lumière. Si une lampe est visible dans votre plan, mais que la lumière frappe du côté opposé du personnage, il y a une déconnexion visuelle que les téléspectateurs reconnaîtront rapidement.
Se mettre au travail
Les décors sont faits, les maquettes sont prêtes et les plans sont planifiés. Il est presque temps de commencer le tournage. Comme pour tout projet, l'équipement que vous utilisez pour capturer des images est une considération importante. Pour le stop motion, il est possible d'utiliser un caméscope ou un appareil photo à image fixe. Le choix t'appartient. Si vous possédez déjà un appareil photo que vous connaissez bien, il est probablement préférable de vous en tenir à celui-ci.
Quel que soit l'appareil photo que vous utilisez, une chose est cruciale :il doit être parfaitement immobile. Rien ne gâche plus votre animation que la caméra qui bouge quand elle n'est pas censée le faire. Avoir un trépied solide est un bon début, mais le coller une fois que vous avez établi votre point de prise de vue n'est pas une mauvaise idée.
L'une des choses qui peuvent vous faciliter considérablement la vie en stop motion est de connecter votre caméra à un programme sur votre ordinateur (c'est-à-dire AnimatorHD, Dragonframe, iStopMotion, StopMotionPro) afin que vous puissiez utiliser la technique de la pelure d'oignon. Cet outil pratique crée une image semi-transparente de l'image précédente capturée, afin que vous puissiez voir, à travers la perspective de la caméra, exactement jusqu'où vous devez déplacer votre modèle. C'est un guide utile dans lequel vous n'auriez normalement que vos propres yeux sur lesquels vous appuyer.
Maintenez vos principes
Le stop motion est une forme d'animation, et en tant que tel, vous devez garder à l'esprit les principes de base de l'animation. Ces idées existent depuis l'avènement du médium et sont essentielles pour rendre toute animation réaliste pour le plaisir du public.
Cela n'a rien à voir avec le style ou le ton, qui peut être irréaliste, mais plus à voir avec la physique dans le monde réel et la façon dont les gens perçoivent le mouvement. L'étirement et l'écrasement sont l'exemple le plus simple, et l'idée sous-jacente est de donner du "poids" aux personnages ou aux objets. Imaginez faire rebondir une balle. Lorsqu'il touche le sol, il se comprime puis s'étire vers l'extérieur en remontant.
Cette même idée peut être appliquée aux personnages qui sautent de haut en bas (ce qui fait fléchir et étendre les jambes) ou qui entrent en contact avec d'autres éléments de la scène. Les personnages et les décors doivent réagir physiquement de manière appropriée. Le non-respect des principes de base peut mettre le public mal à l'aise, l'empêchant de se concentrer sur le contenu de votre vidéo ou l'arrêtant complètement de regarder.
Post-production
En ce qui concerne la post-production, la bonne nouvelle est que vos programmes de montage normaux fonctionneront parfaitement pour le stop motion. Ce dont vous devez vous préoccuper davantage, c'est de la façon dont les images sont capturées. Nous avons déjà mentionné quelques programmes concernant la pelure d'oignon, mais ils fonctionnent également pour capturer vos images et les enregistrer dans un format facile à modifier.
De manière générale, les mêmes principes de montage s'appliquent, la principale différence étant que vous n'aurez pas autant de séquences supplémentaires avec lesquelles jouer. L'une des choses les plus importantes que vous devez régler en dehors de la correction des problèmes de synchronisation sera la conception sonore. Le dialogue est enregistré séparément et le métrage est capturé MOS (Motor Only Sync, ou "Mit Out Sound" si vous en croyez certaines légendes), ce qui signifie que vous n'avez aucun bruit ambiant avec lequel travailler.
Il vous appartient entièrement de créer les sons du monde dans votre histoire, et tout, des pas aux bruits de fond, doit être pris en compte. Cela contribue grandement à rendre votre création réelle. Une mauvaise conception sonore de votre animation peut être tout aussi rebutante que le non-respect des principes d'animation.
Passez en revue votre animation plusieurs fois dans la baie d'édition. Faites plusieurs coupes, essayez des choses et faites-en la meilleure présentation possible avant de l'exporter dans le format de votre choix. Vous consacrez beaucoup de temps et d'efforts à l'animation elle-même, mais ne coupez pas les coins ronds dans l'édition à cause de cela. Prenez votre temps et soyez précis.
Encadré :Avancées technologiques
L'art du stop motion est une technique plus ancienne, mais les nouvelles technologies continuent d'offrir d'excellents moyens d'étendre le support et de le rendre plus accessible aux nouveaux arrivants - pouvez-vous imaginer à quel point la pelure d'oignon aurait été pratique il y a des décennies ? L'impression 3D est l'une des dernières avancées qui a beaucoup aidé les animateurs. Une imprimante 3D convertit un modèle généré par ordinateur en une chose tangible. Bien que la technologie soit largement utilisée, c'est le gain de temps ultime pour le stop motion.
La modélisation manuelle est une entreprise qui prend du temps, mais le faire dans l'ordinateur avec un logiciel est un processus beaucoup plus fluide qui permet une plus grande quantité d'expérimentation. Là où changer quelque chose dans une sculpture physique nécessite la perte d'heures de travail, vous pouvez apporter des modifications et revenir en arrière en appuyant sur une touche de l'ordinateur.
Plus important encore, l'impression 3D vous aide lorsque vous créez plusieurs expressions faciales à échanger lors de l'animation. Au lieu de faire sculpter chaque tête à la main, vous pouvez rapidement modifier le design à l'ordinateur et l'imprimer. Bien que le stop motion nécessite encore beaucoup de travail, l'accès à une imprimante 3D peut vous sauver la vie en pré-production.
Encadré :Une vision animée
Le réalisateur et animateur Josh Funk a créé « The Spaceman » comme une expression ludique de son imagination d'enfant. effets pratiques que possible. Le film a été créé à l'aide d'animations en stop motion, de décors miniatures, de grands décors en carton, d'animatroniques et de CGI et représente le deuxième effort de Josh en stop motion. Son film précédent, Wormholes, a été créé en utilisant exclusivement des techniques de stop motion.
Bien que le stop motion soit parfois considéré comme un processus à forte intensité de main-d'œuvre, Josh a un penchant particulier pour ce médium :"J'ai toujours été un fan de l'animation en stop motion et impressionné par la quantité de dévouement nécessaire pour terminer un projet dans ce domaine. moyen." C'est grâce à ce niveau impressionnant de dévouement que les animateurs en stop motion tels que Josh obtiennent un contrôle sans compromis sur leurs projets. "Je peux créer des décors élaborés qui seraient coûteux pour un film d'action réelle", déclare Josh, "il n'y a pas d'acteurs avec qui se soucier de la programmation, et tout ce que je peux imaginer peut être créé à l'aide de marionnettes. C'est vraiment comme de l'art en mouvement."
Pourtant, un contrôle complet n'est pas toujours synonyme de perfection ultime - mais cela ne dérange pas Josh :"J'apprécie les défauts de cette forme d'animation. Par exemple, si vous regardez attentivement The Spaceman, vous pouvez parfois voir la fourrure bouger de l'endroit où mes doigts ajustaient la marionnette. Il y a une performance qui se passe entre les cadres."
"The Spaceman" a jusqu'à présent remporté deux prix aux concours IndieFEST et Best Shorts et sera dirigé vers plusieurs autres festivals d'ici la fin de l'année.
Nous voulons pour remercier tout particulièrement Josh de nous avoir donné un aperçu des coulisses de son travail dans les images présentées dans cet article. Regardez "The Spaceman" et tenez-vous au courant des derniers projets de Josh sur www.joshfunk.com
Jordan Maison est un éditeur et un artiste VFX qui a exercé ses talents dans le contenu Web pour les studios Disney ainsi que des sites Web de films et de jeux vidéo.