i. Comprendre la scène:
Avant même de penser au placement, le réalisateur a besoin d'une profonde compréhension de la scène:
* Lisez et analysez le script: C'est la fondation. Le réalisateur doit comprendre le but de la scène, les motivations du caractère, le sous-texte, le ton et la contribution globale au récit.
* Identifiez les objectifs et les enjeux: Que veulent réaliser les personnages dans la scène? Que se passera-t-il s'ils réussissent ou échouent? Cela motive leurs actions et influence les décisions de blocage.
* Déterminez l'arc émotionnel: Comment les émotions des personnages et la scène évoluent-elles du début à la fin? Le blocage doit refléter et améliorer ce voyage émotionnel.
* Considérez le réglage: Comment l'emplacement influence-t-il les personnages et l'histoire? L'environnement devient un participant actif à la scène.
* Consultez l'équipage clé: Collaborez avec le directeur de la photographie (directeur de la photographie), le concepteur de production et les acteurs pour partager des idées et s'assurer que tout le monde est sur la même longueur d'onde.
ii. Éléments clés de la mise en scène et du blocage:
* mise en scène: L'arrangement global des acteurs et des éléments dans la scène. Cela inclut leur position les uns par rapport aux autres, le paramètre et la caméra. La mise en scène établit le contexte et les relations de la scène.
* Blocage: Les mouvements et les actions spécifiques des acteurs de la scène. Cela comprend les entrées, les sorties, les gestes et les interactions physiques. Le blocage guide l'œil du spectateur et aide à raconter visuellement l'histoire.
* Placement et mouvement de la caméra: Décider où la caméra sera positionnée pour chaque plan et comment elle bougera (ou ne bougera pas) pendant la scène. Ceci est fortement influencé par le blocage et vice versa.
* Composition: La disposition des éléments visuels dans le cadre. Cela comprend l'utilisation de lignes, de formes et de couleurs pour créer une image visuellement attrayante et significative.
iii. Considérations guidant les choix de mise en scène et de blocage:
* Clarity: Le blocage doit être clair et compréhensible pour le public. Évitez les mouvements ou l'encombrement inutiles qui pourraient distraire de l'histoire.
* focus: Atteignez l'attention du public sur les éléments les plus importants de la scène. Cela peut être réalisé grâce au blocage, à l'éclairage et au placement de la caméra.
* sous-texte: Le blocage peut être utilisé pour révéler des émotions et des motivations sous-jacentes. Par exemple, un personnage qui se sent vulnérable pourrait se tenir debout dans la pièce.
* rythme et rythme: Le blocage devrait contribuer au rythme global et au rythme de la scène. Un mouvement plus rapide peut créer un sentiment d'excitation ou de tension, tandis que le mouvement plus lent peut créer un sentiment de calme ou de réflexion.
* Relations de caractère: Le blocage peut être utilisé pour illustrer les relations entre les personnages. Par exemple, les personnages qui sont en conflit peuvent être bien positionnés, tandis que les personnages proches pourraient être positionnés près les uns des autres.
* Storytelling visuel: Utilisez le blocage pour améliorer le récit. Par exemple, un personnage marchant vers la caméra pourrait symboliser sa confiance croissante, tandis qu'un personnage s'éloignant pourrait symboliser sa retraite.
* Efficacité et pratique: Le blocage doit être pratique et réalisable dans les limites de l'ensemble, du budget et des contraintes de temps. La sécurité est également primordiale.
iv. Le processus de mise en scène et de blocage:
1. brainstorming initial et visualisation: Le réalisateur visualise la scène dans leur esprit, considérant différentes options de mise en scène et de blocage. Ils peuvent esquisser des idées dans un cahier ou créer un storyboard.
2. répétitions avec les acteurs (lecture du tableau, blocs de répétitions):
* Table Lire: Lire le script avec les acteurs pour discuter de leurs personnages, de leurs motivations et de la signification globale de la scène.
* Bloquer des répétitions: Travailler avec les acteurs de l'ensemble (ou un espace de remplaçant) pour expérimenter différentes options de blocage. Il s'agit d'un processus collaboratif où le directeur fournit des conseils, mais les acteurs contribuent également à leurs idées. Le réalisateur bloque généralement la scène en utilisant des marques générales telles que "scène à droite" et "étape à gauche", "en bas" (vers le public / caméra) et "Upstage" (loin du public / caméra). Ils noteront également des actions spécifiques, telles que "John ramasse le verre" ou "Mary s'assoit dans la chaise".
3. Blocage de la caméra avec le directeur de la photographie: Une fois le blocage réglé, le réalisateur travaille avec le directeur de la photographie pour déterminer les angles et les mouvements de la caméra. Cela implique de considérer des facteurs tels que:
* Couverture: S'assurer que toute l'action importante est capturée à la caméra.
* cadrage: Création de compositions visuellement attrayantes et significatives.
* continuité: Maintenir un aspect et une sensation cohérents tout au long de la scène.
* Éclairage: Utiliser l'éclairage pour améliorer l'humeur et l'atmosphère de la scène.
4. Répétions avec caméra: Répéter la scène avec les acteurs et l'équipe de caméra pour affiner le blocage et les mouvements de la caméra. Il s'agit d'une occasion d'identifier tout problème ou incohérence et de faire des ajustements avant le tournage.
5. tir: Filmer la scène, en utilisant le blocage finalisé et le plan de caméra.
6. Ajustements: Même après une planification minutieuse, le réalisateur peut avoir besoin de faire des ajustements au blocage ou au plan de la caméra pendant le tournage. Cela pourrait être dû à des circonstances imprévues, comme un acteur aux prises avec un mouvement particulier ou un problème technique avec la caméra.
v. Techniques et considérations en détail:
* Mouvement motivé: Chaque mouvement devrait avoir une raison, contribuant à l'état objectif ou émotionnel du personnage. Évitez l'errance arbitraire.
* Focus et emphase: Utilisez le blocage pour dessiner l'œil du public sur des éléments clés. Cela peut être réalisé par:
* Photos de scène: Organiser des acteurs dans des formations visuellement fortes et significatives. Par exemple, un personnage debout seul et isolé dans le cadre.
* Angle de la caméra: Un angle bas peut rendre un personnage puissant, tandis qu'un angle élevé peut les rendre vulnérables.
* profondeur: En utilisant la profondeur de l'ensemble pour créer des compositions visuelles intéressantes.
* dévoilement: Révaluer progressivement les informations ou les personnages au public pour construire le suspense ou créer un sentiment de découverte.
* niveau: Utilisation de différentes hauteurs pour montrer la dynamique de puissance. Un personnage debout sur une plate-forme ou un escalier dominera visuellement ceux ci-dessous.
* croix: Mouvement prévu d'une position à une autre. Utilisez des croix pour:
* Établir de nouvelles relations
* Shift Focus
* Changez la dynamique d'une scène
* Business: De petites actions naturalistes que les acteurs effectuent, comme verser une boisson, ajuster leur cravate ou agiter avec un stylo. Les affaires ajoutent du réalisme et révèlent le caractère.
* lignes de vue: S'assurer que les acteurs peuvent se voir et que la caméra peut capturer leurs performances.
* Tricher: Poussant légèrement le corps de l'acteur vers la caméra pour améliorer leur visibilité.
* marques de frappe: Les acteurs ont besoin de revenir de manière fiable à des endroits spécifiques de l'ensemble, souvent marqués de ruban adhésif. Ceci est crucial pour la mise au point, l'éclairage et le placement de la caméra.
* Master Shot, Coverage and Modite: Le blocage est planifié par rapport à la façon dont la scène sera éditée ensemble. Un coup de maître montre toute la scène, suivi de plans plus proches qui mettent l'accent sur des moments et des personnages spécifiques.
* Travailler avec les acteurs: Les réalisateurs doivent être collaboratifs, comprenant que les acteurs apportent leurs propres interprétations et leur physique à ce rôle. Le meilleur blocage vient d'un partenariat, trouvant un mouvement qui semble naturel et véridique pour le personnage.
vi. Exemples de techniques de blocage:
* Confrontation: Deux personnages se font face directement, debout souvent près les uns des autres.
* intimité: Les personnages sont positionnés près les uns des autres, touchant ou embrassant souvent.
* dynamique de puissance: Un personnage se situe au-dessus ou derrière l'autre, affirmant leur domination.
* Isolement: Un personnage est seul, séparé des autres personnages.
* découverte: Un personnage entre dans une pièce et découvre quelque chose d'inattendu.
vii. Outils et technologie:
* Logiciel de panne de script: Aide à organiser le script, à identifier les éléments clés et à planifier le calendrier de prise de vue.
* Logiciel d'inscription de tir: Utilisé pour créer une liste détaillée de tous les photos de la scène, y compris les angles de caméra, les mouvements et le blocage des acteurs.
* Logiciel de storyboard: Permet au réalisateur de visualiser la scène et de planifier les mouvements de blocage et de caméra.
* Scoutisme virtuel: Utiliser la réalité virtuelle pour explorer l'ensemble et planifier le blocage avant le tournage.
en résumé:
Une stadification et un blocage efficaces sont bien plus que de déplacer des acteurs autour d'un ensemble. Il s'agit d'un puissant outil de narration qui peut améliorer l'impact émotionnel d'une scène, clarifier les relations de caractère et guider l'attention du public. En considérant soigneusement tous les facteurs impliqués et en travaillant en collaboration avec le casting et l'équipe, un réalisateur peut créer une expérience visuellement convaincante et significative pour le public. Un bon blocage est invisible; Il sert si bien l'histoire que le public est entraîné dans le récit sans être conscient des choix du réalisateur.